Críticas

Reseña | El Asombroso Spider-Man 142: Venom Inc

19-11-2018

Publicado originalmente en Docpastor.com

El volumen 142 de los mini-tomos del Asombroso Spider-Man contiene el más reciente crossover con Venom, la saga “Venom Inc”, publicada a medias entre ambas series en febrero y marzo de 2018 –fechas de USA, claro, en España acaba de salir-.

Continúa la impecable andadura de Dan Slott en la serie del trepamuros y no defrauda ni un solo momento. Para cualquier lector de cómics, Slott es uno de los pesos pesados del mundo secuencial, uno de los mejores guionistas de la era actual, un genio de los diálogos y los desarrollos de acontecimientos, como demuestra en esta divertida historia llena de conversaciones hilarantes sin dejar de lado una trama interesante y repleta de acción. Probablemente, uno de los mejores autores que hayan pasado por las páginas de Spider-Man. Ya lleva más de una década y, sinceramente, ojalá no se vaya nunca. Bueno, a no ser que se vaya para volver a escribir a Hulka, su obra cumbre indiscutible, entonces se lo permitiremos.

Es difícil seguir la pista a la vida de Spider-Man, debido a todas sus series propias, crossovers con otros héroes y participaciones en cómics grupales como los de Vengadores. Como breve introducción, al comienzo de esta historia tenemos a un Peter Parker que vuelve a ser pobre después de la quiebra de su gran empresa, ha vuelto al Daily Bugle y encima lo ha dejado con su más reciente pareja, Pájaro Burlón –bueno, lo han “medio dejado”, porque siguen compartiendo piso y por lo que vemos en esta trama de vez en cuando aún se dan algún homenaje, ejem-. Volvemos al clásico Spider-Man desgraciado y perdedor que los fans exigen tener siempre y protestan cuando las cosas le van un poco mejor –un poco sádicos, ¿no? Pobre hombre, dejadlo disfrutar de vez en cuando-. En este arco argumental, Spidey tendrá que aliarse con los diversos héroes simbióticos Eddie Brock, Flash Thompson y Manía– para hacer frente a un nuevo villano, Maníaco.

Hay que reconocer que, cada vez que tenemos una historia en la que tienen protagonismo los simbiontes, se nos presenta a Spider-Man como un verdaderocapullo intolerante que se niega en rotundo a darles un poco de confianza. Da hasta un poco de rabia, la verdad. Aunque eso causa momentos hilarantes como ése en que Flash le comenta que deje de tratar así al simbionte, que es un abusón, a lo que Peter responde “Increíble, Flash Thompson me acaba de llamar abusón a mí”. Mención especial a que el Spider-Man fusionado con un simbionte se comporta y habla de forma muy, muy similar a la de Masacre. Quizás nos sirva para poder describir al bueno de Wade Wilson cuando alguien nos pregunte quién es: “Imagínate cómo sería Peter Parker con un simbionte… insoportable, ¿verdad? Pues ése es Masacre”.

Quizás lo curioso de este cómic es que el propio Spider-Man tiene poco protagonismo y se lo comen otros grandes personajes que lo eclipsan por completo, como Flash Thompson, Manía o la siempre deslumbrante Felicia Hardy. Siempre se agradece la aparición de la Gata Negra y en esta saga está especialmente espléndida –aunque cuesta un poco seguir la pista de cuándo es buena, cuándo es mala y cuándo es… “caótica neutral”-. Se hace bastante hincapié en esta ocasión en sus poderes de manipulación de la suerte, similares a los de Dominó o los de Longshot, que muchos guionistas suelen olvidar. Es tremendamente divertido que, cada vez que la Gata aparece, el resto de héroes se vuelvan medio tontos por ella, como le pasaba a Iron Fist en el nuevo Defensores de Bendis. Hasta el simbionte de Eddie se pone romántico cuando ve a Felicia, y eso que no es más que un montón de moco negro asexuado del espacio. ¿Tendrá acaso la Gata Negra un superpoder secundario que seduce a todo aquel que se le acerca, como Spider-Woman? ¿O es simple encanto natural?

En cuanto a Venom, personaje central de la historia, confieso que no soy nada fan de él y que me aburre sobremanera cualquier historia en la que participe. Y me refiero a Eddie Brock, por supuesto. En cambio, Flash Thompson me parece un personaje interesante, divertido y del que nunca tengo suficiente. Por eso, esta historia podría haberme aburrido como acérrimo anti-fan de Venom, pero el maravilloso estilo de guión de Slott y el gran protagonismo de Flash –su primera aparición como el nuevo Anti-Venom blanco, espectacular– han hecho que ignore por completo la presencia de Brock y disfrute de una gran historia.

En el apartado gráfico, tenemos a Ryan Stegman, con un estilo visual muy impactante que recuerda al amerimanga noventero al más puro estilo Madureira, pero en una versión modernizada y más acorde con la época actual. En uno de los episodios, lo sustituye Gerardo Sandoval, con un estilo tan parecido al de Stegman que el cambio no molesta en absoluto. En ambos casos, sus hipérboles anatómicas y sus exagerados ángulos cortantes son una verdadera delicia visual.

El volumen se completa con una breve y simpática historieta de una página a cargo del mítico Fred Hembeck en la que Spidey hace alusiones humorísticas a cierto superhéroe de una editorial rival, conocido por ser oscuro, soso, con capa y cuernecillos. Ejem.

No estamos ante una de esas ocasionales tramas que cambian por completo la historia de Spider-Man, como la muerte de Gwen Stacy, la saga del clon o algunas otras historias puntuales. Pero tenemos una aventura divertida, interesante y llena de simbiontes variados dándose de tortas con nuestra araña favorita en medio de todo el fregado. Y encima escrita por el genio Dan Slott, lo cual la hace altamenterecomendable.

Artículo de Jöse Sénder.

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Críticas

Reseña | Los Vengadores Vs. La Patrulla-X

22-8-2017

Publicado originalmente en Docpastor.com

Soy fuego y vida encarnados. Ahora y para siempre, soy Fénix”.

Una de esas frases míticas que marcaron un momento clave en la historia de Marvel Comics y que todo buen lector está deseando volver a oír. Creedme, si lo que os gustan son las frases épicas y emblemáticas, en este doble tomo de Panini vais a ir bien servidos.

¿Qué pasa cuando el Fénix, uno de los mayores enemigos de la humanidad, se convierte en la última esperanza para salvar de la extinción a la raza mutante? ¿Qué pasa cuando unos intentan usarlo al fin para hacer el bien pero otros, demasiado pagados de sí mismos y seguros de su superioridad moral, no les dan la oportunidad y deciden tacharlos de villanos y destruirlos? Ésta es la historia de Scott Summers y Steve Rogers, tratando de salvar el mundo, cada uno a su manera, con el inevitable enfrentamiento entre las dos potencias superheroicas más grandes del universo Marvel destruyendo toda posibilidad de hacer algo bueno.

V vs X (Los Vengadores contra la Patrulla-X) es una de esas macrosagas imprescindibles para comprender los grandes cambios en el status quo del universo Marvel, como lo fueran Desunidos, Civil War o Invasión Secreta. La historia, orquestada en grupo por algunas de las mentes más brillantes del cómic americano –Bendis, Aaron, Brubaker, Waid, Fraction y Hickman- es interesante, está llena de giros argumentales espectaculares y de grandes momentos llenos de epicidad y emoción.

¿Tiene cosas malas? Sí, tiene algunos defectos que es imposible pasar por alto. Por encima de todo, el maniqueísmo con el que obran los Vengadores en esta saga, con esos aires de superioridad moral y de menosprecio a cualquier superhéroe que no sea uno de ellos. Podríamos decir que la culpa de todo el conflicto la tienen ellos –especialmente el Capitán América- por su rápido juicio moral contra Cíclope, por no confiar en su capacidad de liderazgo y no apoyarle en su intento de salvar a toda una especie de la desaparición. Desde el minuto uno, deciden tacharlo de terrorista y lanzarse de cabeza a impedir sus planes, no le dan ninguna oportunidad de demostrarles que intenta hacer el bien, impidiendo así que pueda salir algo bueno de ello. Y el hecho es que sí que sale algo bueno.

La Patrulla-X parece ser la gran villana de esta obra, cometiendo crímenes tan abominables como acabar con el hambre, la sequía, la pobreza y las guerras en todo el mundo. Los defensores del sistema actual no pueden permitir tal afrenta y deciden pararles los pies antes de que hagan algo aún peor, como… no sé, ¿salvar bebés de foca de ser apaleados? En cierto punto, los guionistas se dan cuenta de que los supuestos villanos les están quedando demasiado buenos y deciden dar un giro dramático para que los “buenos” tengan razón: a Los Cinco Fénix –Cíclope, Emma Frost, Namor, Coloso y Magik- se les va el poder de las manos y se vuelven malos y megalómanos de la noche a la mañana. Un tratamiento un tanto pobre que ensombrece lo que podría haber sido. Y es que a veces parece que la única forma de hacer una de estas obras en que los héroes se enfrentan entre sí es demonizando a uno de nuestros ídolos y convirtiéndolo en un desalmado villano así por las buenas –Wanda Maximoff en Desunidos, Tony Stark en Civil War, Emma Frost en Inhumanos vs la Patrulla-X, o Cíclope aquí-. Pero, en este caso, nunca lograron convencer a los lectores: Cíclope es ahora mucho más querido por todos, incluso por sus antiguos detractores ahora reconvertidos en fans –entre los cuales me cuento- gracias a esta obra.

Pero estos defectos de la trama no estropean un producto que es, por todo lo demás, brillante. La narrativa es, como ya decía antes, épica. La historia te mantiene siempre enganchado sin poder dejar de leer lo que va a suceder a continuación. Las escenas de acción son espectaculares. Y algunos momentos cargados de emotividad de nivel superior quedarán para siempre en el recuerdo, como el valor inconmensurable de Spiderman en la escena en que se enfrenta él solito a los hermanos Rasputin para dar tiempo a escapar a sus amigos, el horrible asalto a Wakanda por parte de Namor, o cada escena que protagoniza por Hope Summers –la verdadera heroína de esta historia-. Y, sobre todo, el crudo enfrentamiento entre Scott y Xavier que, al igual que pasó en Secret Wars con Reed Richards y Victor Von Muerte, es a lo que en realidad se reduce todo.

El choque -¿o quizás combinación?- de las tres fuerzas mágicas más poderosas del universo Marvel –el Fénix, la Magia del Caos de la Bruja Escarlata y el Puño de Hierro- es una de las partes más interesantes de la historia, una de las elecciones de guión más jugosas y acertadas que nos depara este fantástico tomo. Y al fin tenemos ocasión de conocer el verdadero origen de Hope Summers, su valía, su heroísmo y su objetivo en el cosmos marvelita. V vs X es uno de esos casos en que las consecuencias de su conclusión se dejarán ver con mucha fuerza en los cómics durante muchos años, desde el nuevo equipo de Imposibles Vengadores hasta esas camisetas que muchos aún lucimos orgullosos con la consigna “Ciclope tenía razón”.

En cuanto al apartado gráfico, puede chocar que la primera mitad de la obra esté dibujada por John Romita Jr, un autor con un estilo un tanto indie o underground al que un evento de estas proporciones podría venirle grande, pero os aseguro que sabe estar a la altura. Y, sin duda, se resarce con creces con el siempre alucinante Oliver Coipel dibujando la segunda mitad del evento, que le viene a este maestro como anillo al dedo –con cierta ayudita del veterano Adam Kubert-.

Una obra que, sin lugar a dudas, hará las delicias de todo buen Marvel Zombie y que vale la pena leer y disfrutar de principio a fin. El Fénix es vida, el Fénix es muerte, el Fénix es renacimiento. Su historia nunca termina y cada vez que vuelve nos aporta algo nuevo. Porque, como dice Scott Summers, líder revolucionario y visionario del futuro, “Siempre tiene que haber destrucción antes del renacimiento”.

Artículo de Jöse Sénder.

Críticas

Reseña | ‘La muerte del Capitán Marvel’ (1982)

26-6-2018

Publicado originalmente en Batseñales.

Marvel se pone seriota.

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A menudo, las mentes más influenciables por las modas confunden el término “novela gráfica” con el concepto de cómic independiente, de autor o “para adultos” y lo usan como escudo para excusar el hecho de que leen cómics como hacemos todos, intentando conferirle un aspecto más intelectual y bohemio. Nada más lejos de la realidad, “novela gráfica” no es más que un término de formato editorial que viene a significar un cómic autoconclusivo, publicado en forma de tomo, que no pertenece a ninguna publicación en forma de serie periódica y con una duración mucho mayor a la de un capítulo de una serie en formato de grapa.

Sabedores de esta habitual confusión que empezó a darse en los 80, los gerifaltes de las editoriales más centradas en superhéroes decidieron demostrarnos que ellos también podían sacar historias en formato de novela gráfica y conferirles además un tono más profundo y adulto, para acercarlas al concepto del cómic indie que estaba empezando a asociarse a dicho formato de edición. Así es como nació Marvel Graphic Novels de la mano del editor Jim Shooter, dando lugar a obras aclamadas por el público y la crítica como el famoso ensayo sobre los peligros del fanatismo religioso ‘X-Men: Dios ama, el hombre mata –obra cumbre de la que ya os hablaré otro día con más calma-. Y, dentro de esa línea, uno de los títulos más emblemáticos fue precisamente La Muerte del Capitán Marvel.

El personaje que antaño fuera uno de los mayores símbolos de la editorial –por algo llevaba su nombre– estaba en horas bajas a principios de los 80, en una época en que todo el sector cósmico marvelita había quedado relegado al olvido por parte de una base de fans que centraba toda su atención en todo lo relacionado con mutantes y pasaba del resto. El mítico autor Jim Starlin recibió el encargo de acabar de una vez por todas con las andanzas del guerrero kree Mar-Vell y decidió hacerlo por todo lo alto: matándolo y anunciándolo abiertamente en el título de la propia novela gráfica.

La Muerte del Capitán Marvel no es una historia de acción y aventuras, sino un relato introspectivo sobre un gran héroe que ha sido capaz de enfrentarse a las mayores amenazas cósmicas y descubre ahora su impotencia ante el más inesperado e invencible enemigo: el cáncer. Un tema tan peliagudo y doloroso no era algo que se tratase a menudo en los cómics por entonces, pero Starlin decidió enfrentarlo de frente y sin eufemismos ni alivios de ningún tipo.

Una historia que se centra sobre todo en las reacciones emocionales del propio Capitán Marvel y de la gente que le rodea, potenciando por encima de todo el concepto de la inevitabilidad de la muerte, la idea de que nadie está a salvo de una enfermedad repentina, ni siquiera la persona a la que creemos más fuerte, ni siquiera la persona a la que más queremos. Prima por encima de todo la impotencia del protagonista, esa forma de mostrárnoslo como un simple mortal más, indefenso ante algo que no comprende y no puede derrotar con sus puños. Es sobrecogedora esa viñeta en que Drax le dice que la muerte no es tan mala y Mar-Vell le responde que no la espera con ansias, en la que comprendemos que, aunque el Capitán sea un valeroso héroe y haya aceptado su destino, sigue estando muerto de miedo e inseguridad al respecto. Nunca se le había mostrado tan humano, cercano e identificable con cualquiera de nosotros como en este momento.

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Y es que, parafraseando a La Bestia en un momento de la historia: “Por si no lo has notado, bajo estos trajes de fantasía y estos llamativos poderes, se esconden hombres y mujeres mortales. Ninguno de nosotros puede decir cómo va a terminar su vida”.

El homenaje a los grandes momentos de la vida del Capi es constante y emotivo, así como el tremendo desfile de estrellas invitadas que vienen a mostrar sus respetos y su apoyo al mayor héroe del universo en sus últimos momentos. Las reacciones emocionales de Spider-Man y de Rick Jones son dignas de mención por lo bien escritas que están. Y emociona como nunca ver que hasta el temible Thanos viene a mostrar su respeto y admiración hacia el que fuera su mayor enemigo, al que un rival conceptual mucho más feroz que él ha conseguido derrotar al fin.

El dibujo de Starlin es muy cuidado y detallista en esta ocasión, con tinta de Al Milgrom que refuerza su poderoso trazo y color de alta calidad de Steve OliffPanini ha reeditado esta obra maestra en un tomo de lujo con encuadernación de tapa dura y respetando al máximo el formato original y la calidad del color.

Una muerte que simbolizó un violento cambio en el paradigma de la forma de narrar y nos dejó claro que los cómics de superhéroes habían dejado para siempre de ser cosa de niños. La caída de un héroe que, por respeto al enorme impacto que tuvo esta historia, ningún guionista se ha atrevido a resucitar jamás. Una obra redonda de principio a fin.

Críticas

Reseña | ‘El Inmortal Puño de Hierro’ de Ed Brubaker y Matt Fraction (2006)

24-9-2018

Publicado originalmente en Batseñales.

Mira, Netflix, así es como se escribe un Puño de Hierro.

Si hay una saga que ha definido a Puño de Hierro y lo ha elevado al primer orden del cosmos superheroico como ninguna otra, es sin duda ‘El Inmortal Puño de Hierro‘ de 2006. Una macrosaga de 14 episodios surgida al combinar a dos de los guionistas más legendarios de la Marvel del siglo XXI: Ed Brubaker y Matt Fraction. Es la saga esencial para conocer a Danny Rand y admirarlo como personaje, pese a su deficiente adaptación de Netflix.

Hay que empezar diciendo, para los que no estén familiarizados con el personaje, que no tiene absolutamente nada que ver con su contrapartida de imagen real y que es uno de los superhéroes Marvel peor adaptados a la pequeña o la gran pantalla –junto a DraxMantis Pícara-. Sin culpar al más que decente Finn Jones, el guión de la primera temporada era tan difuso y mal enfocado que nos presentaba a un personaje totalmente alienado y sin relación alguna con la forma de ser y actuar su fuente original. Danny Rand es un uno de esos héroes del tipo graciosillo a la vez que fanfarrón, que no puede dejar de soltar chascarrillos mientras reparte leña –en la línea de Ojo de HalcónSpider-Man, Dientes de Sable o Buffy-, pero combina este rasgo con un alto componente espiritual y metafísico. Danny es la paradoja andante: es el friki supremo obsesionado con los cómics y la cultura nerd, pero a la vez posee una inmensa profundidad psicológica y carga emocional proveniente del entorno espiritual zen en el que fue criado. La gente no suele confiar en su buen juicio a la hora de tomar decisiones debido a que es un bufón –en palabras textuales de Jeryn Hogarth en esta misma saga: “¿Sabes cuáles son las cuatro palabras más terroríficas del idioma inglés? Danny tiene un plan”-. Pero siempre acaba salvando el día y demostrando una madurez que él mismo se empeña en disimular, como veremos en esta historia.

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La historia ahonda en la parte mística del cómic, en la mitología de la ciudad celestial de K’un-Lun. No sólo trata del presente Iron Fist, sino que entremezcla de forma muy interesante las historias de sus predecesores en el puesto. Cobra mucha importancia la figura de Orson Randall, el extremadamente carismático antihéroe que fue Iron Fist en la primera guerra mundial, pero también la de Wu Ao-Shi, la Reina Pirata de la Bahía de Pinghai, que ocupó el puesto en el siglo XVI, así como de algunos otros que han ostentado tan llamativo título. También se arroja luz sobre la historia de Wendell Rand –el padre de Danny– y su fallido intento de conseguir el poder del dragón, así como del origen de la fortuna familiar de los Rand. Dividida en dos arcos argumentales y un breve interludio, podría parecer que narra tramas inconexas, pero se trata de una historia-río en la que hay que leer todas las partes para ver cómo confluyen en la costa final.

En el primer arco de 6 números, “La última historia de Iron Fist”, nos centramos en la amenaza de un Davos más terrorífico que nunca, ahora aliado con Hydra, se nos habla de la rivalidad entre los dos antiguos amigos, se muestra por primera vez el punto de vista del villano y el porqué de su odio hacia el héroe. El capítulo 7 es un interludio enteramente dedicado a narrar la historia de la Reina Pirata de la Bahía de Pinghai y es sencillamente precioso.

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Y el impresionante segundo arco, “Las siete capitales del cielo”, que comprende los episodios del 8 al 14, gira en torno a la magia de K’un-Lun –y las otras seis ciudades místicas de ese misterioso paraíso oriental en el que se crió el bueno de Danny-, así como en sus respectivos campeones, las Siete Armas Inmortales. Torneos de artes marciales al estilo ‘Dragon Ball’ –pero con la magia oriental que caracteriza esta serie– como telón de fondo sobre el que se teje una trama de conspiraciones internas y el origen de una revolución de género y de clase en el seno de K’un-Lun. Brubaker y Fraction combinan de forma única la crudeza urbana de las historias de Iron Fist, uno de los héroes “de barrio” de Marvel, con el misticismo que envuelve a todo lo relacionado con su origen. El enfrentamiento entre los dos dragones de la vida de Danny Rand: el dragón literal de K’un-Lun contra el dragón simbólico de Hydra.

Estamos, pues, ante una gran multitud de tramas que, lejos de estorbarse unas a otras, convergen en un complejo tapiz en el que cada hilo cobra sentido conforme se va avanzando en la historia. Una historia plagada de personajes interesantísimos, como la misteriosa sirvienta enmascarada de Lei Kung o el Príncipe de los Huérfanos –en serio, ¿habíais oído alguna vez un nombre tan chulo?-.  Aparecerán también, obviamente, Luke Cage y Colleen Wing, los mejores amigos de Danny, así como su eterno amor Misty Knight.

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Al dibujo está el inconfundible David Aja, dibujante español con cinco premios Eisner a sus espaldas, de un estilo rompedor, indie y reconocible a la legua. Adora el claroscuro y sabe utilizarlo de forma dramática sin abusar de él. Sus composiciones de página son siempre interesantes y sorprendentes, por no hablar de los diseños de portada, que tienden a lo maravilloso. Si acaso se le puede sacar una pega es que en algunos números se introducen páginas extra dibujadas por otros artistas de estilos muy distintos al de Aja y esto puede molestar a la lectura y sacarte momentáneamente de la historia.

Los que hayáis visto la segunda temporada de la serie de Netflix habréis apreciado el inmenso salto cualitativo que ha habido con respecto a la primera, la mejora en los guiones y la realización. Aunque Danny siga distando mucho de ser el de los cómics, está un mundo más cerca de serlo que una temporada antes. En la nueva entrega de la serie hay toneladas de foreshadowing sobre la cosmología de K’un-Lun y la leyenda inmortal del Puño de Hierro, que para el espectador neófito que no haya leído los cómics pueden pasar por alto –e incluso dificultar el disfrute de la serie, porque se mencionan muchas cosas que luego no se resuelven, presumiblemente como planting para la tercera temporada-. Pero todas esas cosas están relacionadas con esta masterpiece de BrubakerFraction y Aja, por lo que podríamos decir que no sólo es la saga imprescindible para conocer al Inmortal Puño de Hierro, sino también para apreciar como se merece la mejora de la serie y lo interesante de la sutil subtrama que se abre en este nuevo bloque. La historia perfecta para adorar a Danny Rand si nunca has leído un cómic suyo.

Críticas

“GOD LOVES, MAN KILLS”, or “CLAREMONT IS MY SHEPHERD, I SHALL NOT WANT”

3-9-2018

Publicado originalmente en Uncanny Nerd.

We all know about the collection Marvel Graphic Novels which appeared in the 80s as a reaction to that new wave of so-called intellectuals who claimed that comics were for children and wrongly called “graphic novels” to independent comics, scared of being called nerds if people found out they were comic readers. From that whole editorial line, there was a graphic novel that shone with its own light and today, 36 years later, is still the first answer from a big amount of fans when you ask them about their favorite comic: “X-Men: God loves, man kills” (1982), masterpiece of narrative by the legendary Chris Claremont with amazing art by Brent Anderson.

Marvel has always been a company tightly bound to the political field and with a strongly progressist ideology, from their first stories about Captain America fighting Nazis to the creation of a superhero team marginalized due to racial prejudices such as the X-Men, created as the perfect metaphor for social exclusion, who have ended up illustrating very critical stories about racism, homophobia and xenophobia. Nowadays we are more than used to Marvel superhero comics being excuses to talk about the political problems of the world –the Siege saga as a metaphor of the horrors of Bush administration and their attacks to the Middle East, the Secret Invasion saga to explore the theory that the real culprit of Islamic terrorism was Bush’s government itself, etc.but in the beginning they used to be way more subtle and restrained. Until Claremontarrived, of course.

 

Claremont landed in Marvel in 1975 and found that a failed series named X-Men, which supposedly talked about racism, was actually portrayed by five white American kids, which he decided to change. That’s how he gave birth to the first inclusive casting in history: an African woman, an Irish man, a Canadian, a German, a Jewish girl, a Japanese, a Native American and a Soviet guy who, unlike the ones portrayed to the date, never regretted or denied communism –which was important to show that other people’s cultures can be respected too. And in the early 80s, in the Ronald Reagan era, when fascism and racism were unleashed more than ever –except for maybe the present day-, when TV was infested with televangelists who used a fundamentalist exaltation of the Bible as an excuse to commit any xenophobic action, good old Chris realized the world needed a comic to raise awareness about the subject.

God loves, man kills” is not a superhero comic. It’s a treaty about racism and religious fundamentalism. About the scurfy reactionary conservatism prevailing not only in the United States, but also in the rest of the world. And most of all, it’s a philosophical debate about the paradox of tolerance put forward by the philosopher Karl Popper (1902-1944), which tells us that if we tolerate an intolerant we are destroying true tolerance. Claremont speaks to us about the misrepresentation of the truth in the media by the spokespersons of fascism, about how easily the broad public can swallow any lie if that helps feed their fear and hate, about how the mass media rather generate morbid tension in order to earn money than to respect any kind of ethical principle.

The plot revolves around reverend William Stryker, a bigot racist televangelist who, with no other power than his ability for demagoguery, harangues his followers to exterminate the “inferior” mutant race in the name of God and the Bible. Claremont creates here the most terrifying, spine-chilling supervillain we have ever seen in a comic. Because he is entirely real. Because he is not a mad man in a mask who uses his powers to take over the world or launches his murder robots to the streets. Because he’s just a TV demagogue with a great persuasiveness just like the ones we have in the real world. The scene with his TV speech gives us goosebumps due to its resemblance to some rightwing politicians and televangelists we’ve seen a thousand times encouraging hate and terror. We all have seen some Stryker in real life. And they are way more terrifying than a million Doctor Dooms.

 

 

It is crucial for this story to show the different points of view from the members of the protagonist team, from the innocence and optimism of the younger, more naive Shadowcat and Magik, the ones who suffer the most of the surprise and horror about what’s going on –it’s funny how Illyana could still be considered innocent and naïve at that time, now that she’s become one of the darkest, most bloodthirsty characters of the Marvel Universe– to the furious resignation of the oldest, most cynical ones, who had always suspected that a day like that would come, such as Wolverine, Storm or Magneto. Even Xavier’s eternal faith in his own dream of peaceful coexistence totters, getting him to the point of fantasizing about joining Magneto, such is his disappointment with humankind. Nightcrawler and Shadowcat are strongly religiouscharacters –he a Christian, she a Jew– who are witnessing with impotence and frustration how people of their own faith use and twist it to boost a genocide akin to their interests. Kitty’s optimism is as desperate as Kurt’s blind faith and both of them will be cruelly tested. Kurt may be the pure, comprehensive good guy, but this time even he will reach the limits of his own humanity.

And to talk about humanity, Magneto is the one. He’s shown in this comic –and in most of them since then– as the most human, complex and full of shades of them all. Magneto is the character put there to tell the hard truth that no one wants to hear, to tell us that the good guys are too good and that we must never tolerate the intolerant, that a murderous racist doesn’t deserve freedom of speech and that, when it comes to fascism and annihilation of those who are or think different, equidistance is never an acceptable choice. After all, from the very beginning of the comic we witness these religious fanatics murdering children in cold blood in the name of their ideology, to make clear the kind of monsters they are. Magneto himself tells he’s already lived through a “genocide in the name of God” and he’s gonna do everything in his power to prevent it from happening again.

Though the central subject of the story is said religious fanaticism as an excuse for racism and xenophobia, Claremont is Claremont, so he takes the opportunity to open many juicy philosophical debates about a lot of social subjects –you could almost say of every three sentences, one can give rise to a whole philosophy book or a special episode of any talk show where gin and tonic rain all over the place. One must especially highlight Magneto’s brilliant speech about freedom and dictatorships, near the end of the comic. It’s impeccable, it’s perfect.

 

Brent Anderson’s art is the one distinctive of the Marvel Graphic Novels collection, way more careful, more “serious and adult” than the usual in superhero comics –at least at that time-, following the style used by Starlin in “The death of Captain Marvel” or Mike Mignola in “Doctor Strange & Doctor Doom: Triumph and torment”. It shows a much more detailed stroke, uses a lot of chiaroscuro in a noirstyle –and all things said, I don’t think the impressive physical resemblance between William Stryker and Charlton Heston is the result of chance… ahem.

God loves, man kills” is a work of worship recommended not only to comic lovers but also to any reader interested in political, ethical and philosophical debates about freedom and its limits. It tells us that in this life nothing is certain, there’s no irrefutable truth, except maybe that Magneto was right and that Chris Claremont is God.

by Jöse Sénder, Nerd

This review was originally published in the Spanish website Batseñales. Go visit them!

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Surprising Spanish cameos in American Comics!

9-8-2018

Publicado originalmente en Uncanny Nerd.

DID YOU KNOW SOME SPANISH CELEBS HAVE FUNNY CAMEOS IN AMERICAN COMICS?

You may have noticed there’s a lot of Spanish and Catalan artists working for Marvel and DC. There’s very good talent in their home countries, but a scant and poor industry, which takes them to move to the USA and work there. From the big classics such as Carlos Pacheco, Pasqual Ferry or Salvador Larroca to the new wave of big pencils such as David Márquez (Defenders), Daniel Acuña (Avengers), Natacha Bustos (Moon Girl & Devil Dinosaur), Ibán Coello (Deadpool), Víctor Ibáñez (X-Men), Pepe Larraz (Uncanny Avengers), David Aja (Hawkeye) and the list goes on and on.

But what you might not know is that many of them have a dark hobby… they love to include small cameos of Spanish celebrities in their comics, which are not detected by the American readers, but when the comics get to this side of the ocean we laugh out loud with it –come on, let’s be honest, if you were working for the comic industry of a foreign country, you’d sure love to include some cameo that only your fellow citizens could catch… am I right?

Well, enough with the introduction, let’s go see some of the funniest cameos:

1.CHIQUITO DE LA CALZADA.

 

 

Chiquito was a humourist who made a big impact during the 90s with his absurdly long jokes and his totally made up language, impossible to translate to English –because it barely was Spanish. He was a big hit and never forgotten. Catalan artist Pere Pérez decided to include it as a recurring extra in the Superman comics, a worker of the Daily Planet –he’s that bald man with long hair in the back of his head and extremely tacky shirts who usually appears in the background of the office. He also included a couple of cops named Grijander and Gromenauer, two made up words that Chiquito used to say in his performances.

Pérez is not the only artist to pay homage to the great –and weird– Chiquito. David López and Álvaro López did it too, turning him into Catwoman’s driver.

They also included two other celebrities in a Batgirl comic, the Spanish TV host Gran Wyoming and the Catalan humourist Andreu Buenafuente.

2.FRANCISCO MARHUENDA.

 

 

 

In the pages of Captain America, Daniel Acuña slipped a cameo of an infamous alt-right-related journalist named Francisco Marhuenda –whose name was changed to Frank Marhuender. He was actually portrayed as a creepy TV reporter with hostile views about anyone he considers “enemies of the state”. Good call.

3.LETIZIA ORTIZ.

 

 

 

The former journalist and current Queen of Spain –yes, we still have a monarchy in the 21st century, and if you ask, most of us are embarrassed of what the rest of the world may think about it– also appeared in American comics a couple times. On the left, her appearance in Catwoman by David López. On the right, she also appeared in New Universal by Salvador Larroca.

 

4.THE KING.

 

 

 

 

 

Well, this is a tricky one. It was actually not designed by a Spanish artist, but by Mike Mayhew, from New Zealand –literally, the opposite side of the world. But the thing is, in the Pulse special of the House of M saga, Mayhew wanted to represent Magneto as a royal ruler, so he looked for pictures of European kings and decided to copy the style and looks of the former Spanish king, Juan Carlos. The Royal Family was pissed about it and they complained, sadly forcing Marvel to remove this awesome cover.

5.CHIKILICUATRE.

 

 

 

 

In 2008, famous Catalan TV humourist David Fernández went to the international Eurovision music talent show, disguised as a ridiculous character he invented, named Chikilicuatre –nope, don’t Google Translate it, that means nothing at all. Since we always end up losing the contest because of the lame singers we send, that year someone decided that at least we could get some laughs out of it and sent this hilarious guy to play a stupid song and turn the show into something funny. The artist Juan Santacruz decided to include him in a Wolverine comic.

 

6.ESPERANZA AGUIRRE.

 

The infamous ultra-conservative and openly racist politicianEsperanza Aguirre was a member of the government until not long ago. In issue 10 of the newest She-Hulk series from 2016 –named simply Hulk-, Catalan artist Julián López included a scene where Shulkie steps on a car roof and the old lady inside starts yelling at her. That old lady was Aguirre. But the funniest thing about this is the following: most of the Spanish government –including Aguirre and even the president himself– were recently caught in a corruption plot involving receiving dirty money in envelopes sent by an accountant named Bárcenas –now in jail. The matter ended with the president being impeached and a change of government, but when this comic was published, it hadn’t happened yet. If you zoom in the panel, you can see that the old lady in the car owns an envelope with the text “From Mr. Bárc…” Nuff said.

 

7.THE AMAZING LIST OF CAMEOS BY SALVADOR LARROCA.

Larroca is one of the biggest names in Marvel Comics from the 90s to the present day. He’s worked in X-Men, Fantastic Four, Avengers and basically everything important in the Marvel Universe, working currently in the Star Wars comics. He’s also the king when it comes to cameos. I remember being shocked as a teenager when I saw Mister Fantastic reading El País, a well-known Spanish newspaper, or Johnny Storm going to the Razzmatazz disco in Barcelona. But he didn’t stop there. Recently he’s been including cameos of his Spanish idols in some of the Star Wars comics.

 

For example, this is Alberto Chicote, a chef and the host of the Spanish version of the TV show Master Chef, named Top Chef:

This man is Nacho Fresneda, one of the actors from the Spanish sci-fi TV show The Ministry of Time –a great show, check it if you can. But please don’t watch Timeless, that’s the unauthorized copy that Eric Kripke “created” (and got sued for) when he was denied of purchasing the rights of The Ministry of Time for a remake. And it’s also lame.

 

And finally, the most heart-touching of them all.

 

 

 

 

Constantino Romero was a great Spanish actor and TV host, but mostly he was known as a voice actor, who dubbed to Spanish such important characters as Mufasa, the Terminator, Dirty Harry or even Darth Vader himself. No wonder why Larroca decided to put him in a Star Wars comic as Chancellor Jooli, as a posthumous tribute. He was our own James Earl Jones and we all loved and respected him –mostly we Star Wars fans.

Críticas

Comic Characters You Might Not Know Presents: The Hellstrom Brothers

24-7-2018

Publicado originalmente en Uncanny Nerd.

Who Are The Hellstrom Brothers? The Origin

Daimon Hellstrom and Satana Hellstrom are, as it’s easy to figure out for their names, the very offspring of Satan himself in the Marvel universe. Satan had the intention to spawn a son who was a bridge between the demonic ant the human world—that is, the usual Antichrist myth—so he took human form, moved to Massachusetts and married a poor innocent woman. Their son Daimon was born with a strange pentagram mark in his chest and three years later his little sister Satana was born—I mean, one would think the choice of the girl’s name should have make her mother suspect something. After preventing a demonic sacrifice, the mother was put into a mental institution, screaming that her husband was the Devil himself. Daimon was sent to an orphanage and Satana was taken to be raised in Hell. Daimon up and entered a monastery to become a priest, not knowing who he really was. But when he inherited his mother’s house he found her diary and discovered his true identity as the Antichrist. Satan tried to lure him into the dark side, but Daimon decided to dedicate his life to fight against him and against evil, under the superhero name Hellstorm—yeah, he didn’t really struggle too much to choose an original innovating name. Satana on the other hand, she’s a succubus who constantly travelled to the human world to feed on the souls of the unwary men she seduced, until she faced Doctor Strange and his kindness made her change, getting even to sacrifice her own life to save his. Daimon became a paranormal detective, John Constantine style, and worked on numerous occasion with other mystical heroes such as Ghost Rider or Doctor Strange, even becoming a member of the Defenders eventually. Satana became a member of the Thunderbolts, then went back to Hell to reign instead of her father and since then she’s always moved through the thin line between a hero and a villain.

 

Skills

They both have magic powers of unknown extent, which they have used to perform all kind of incantations, from invocations to time travel. They have super strength and stamina. They also can manipulate Hell fire—a magical fire which doesn’t only burn physical stuff but also souls—which they directly extract from their father’s demonic dimension, more or less like Cyclops extracts his optic blasts from another dimension. Daimon channels it through his trident, though Satana doesn’t need that, she can do it manually. She also has the ability of flight, absorbing her victims souls, astral projection and mind control. The Hellstrom brothers are actually two of the most powerful characters in the whole Marvel Universe. Daimon owns his Netheranium trident and also rides a chariot drawn by three demonic horses: Hecate, Amon and Set.

 

Relationships

Daimon has mantained numerous brief relationships with other Marvel characters. Recently we discovered that at some point of his life he had an affair with Jessica Jones. But probably his best known and most troubled affair was with Patsy Walker, the Hellcat. The former child star now turned into a heroine and She-Hulk’s personal BFF met Daimon when they both were Defenders and after a lot of adventures together they got married and half retired. But in one collaboration against mystical menaces, Hellstorm ended up recovering his Darksoul, the demonic half of his soul, which he had expelled when he became a hero. Patsy, seeing in person that dark version of his husband’s human soul, got insane and ended up dying. This forced Hellstorm to resume his fight against evil to avenge the death of his true love and he eventually got to kill his own father, Satan. During the process, Daimon even had a son with a witch. Hellcat’s soul was trapped into Mephisto’s hellish dimension and Daimon managed to trick the Thunderbolts into rescuing her, getting to resurrect his wife, who came back with a new superpower: she was now able to detect any paranormal activity. But after having seen Daimon’s Darksoul and the toxicity of their marriage, she refused to come back with him. When Firestar was dying from a cancer caused by her own radiactive powers, Patsy—who had become close Friends with her—made a deal with Daimon to cure her using his magic in exchange of her spending a night with him in Hell, but they never came back together after that.

Regarding Satana, being a succubus who feeds on the souls of her pickups, she has never had a serious relationship with any other character. Her flirting with Doctor Strange is constant, but it never gets to turn into anything serious between them. The most similar thing was when she briefly married Deadpool as a convenience deal, but it didn’t last long.


Best Plots

The best times for Daimon Hellstrom—besides the current times—were those when he was a member of the Defenders. As to Satana, highlights the 2004 miniseries Witches, by Brian Walsh and Mike Deodato Jr, where Satana and two other witches join under the mentorship of Doctor Strange to save the world from a mysterious demonic book.

 

Present

Currently, the Hellstrom Brothers star a new open series, Spirits of Vengeance, where they team up with Blade and the Ghost Rider to face new paranormal menaces, under the writing of Victor Gischler and the pencils of the astonishing David Baldeón. Highly recommendable stuff. Let’s hope for the Hellstroms to keep being a capital part of the Marvel Universe, they’ve totally earned it.

 

 

Críticas

Comic Characters You Might Not Know Presents: Elsa Bloodstone

21-6-2018

Publicado originalmente en Uncanny Nerd.

 

WHO IS ELSA BLOODSTONE?

Elsa Bloodstone, one of the coolest, least known Marvel characters, is a deadly and prodigious monster hunter. She could be considered kind of Marvel’s Buffy Summers. She’s one of the–or maybe just THE-toughest, most dangerous women from the Marvelite Cosmos–sorry, Gamora. Daughter of legendary monster hunter Ulysses Bloodstone, Elsa is unfriendly and egotistical, but the best warrior you could possibly have as an ally.

THE BLOODSTONES: ORIGINS

In a universe previous to ours, ruled by the force of Chaos, a race of ancient gods created a series of mystical Gems that could open a portal allowing magic energies to cross between realities, with the goal of controlling other universes. Said Gems survived the Big Bang which gave birth to Universe 616–the main Marvel Universe. Billions of years later, these Gems gave powers to such varied characters as Star-God (John Jameson), Moonstone (Karla Sofen) or the Man-Wolf (Jack Russell). In the year 8.250 BC, one of the Gems–the Blood Stone-fell into a small Viking village in Vanaheim and exterminated its whole population, except for one of them. This warrior became immortal when he merged with the Gem and, swearing revenge against any monster or alien life form, he took the name Ulysses Bloodstone and became the most legendary monster hunter in history. For several millennia he dedicated his life to the hunt, changing names from time to time–it is said that he was the very Beowulf from Celtic mythology or even Captain Ahab from Moby Dick. His first comic appearance, under the alias Frank, was inStrange Tales #73 (1960). In the 20th century, after facing Dracula, the Mummy or the Skrulls, he had a daughter, Elsa, who he abandoned at the tender age of two.

Elsa-first comic appearance in Bloodstone #1 (2001)-was raised by her mother in England. Though she never met her father or knew her story, Elsa always had premonitory dreams about vampires and demons (hey look, just like Buffy!). Ulysses was murdered by agents of the Old Gods who tore the Gem apart from him, the Gem being accidentally destroyed by Baron Zemo. When Elsa turned 18, she inherited her father’s mansion and there she found out what he used to do for a life, so she decided to follow his steps. Trained to fight by Frankenstein’s Monster himself, she was given the Bloodstone Choker, a necklace that contained a fragment of the Gem, which enhances her physical abilities. Elsa faced–and killed-Nosferatu, then she joined the superhero team Nextwave, alongside with the Machine Man and Monica Rambeau–the original and coolest female Captain Marvel-among others. After Marvel’s Civil War, she became part of Tony Stark’s 50 States Initiative.


SKILLS

Elsa has been trained in gymnastics and fight, mastering both disciplines. The Bloodstone Choker enhances her strength and agility, placing her at the approximate level of Captain America or Spider-Man. Said necklace also happens to repel vampires and makes Elsa’s blood toxic for them, so any vampire who bites her automatically dies. Elsa inherited from her father a great variety of magical artifacts which she uses to hunt, including a teleporting amulet–Mordred’s Causeway-or a lamp which detects paranormal phenomena.

COOL STUFF ABOUT ELSA BLOODSTONE

Elsa can be a really mean and unfriendly character, but that doesn’t make her lack heroism. Besides, she’s the classic kind of character whose bravery exceeds her strength: she has no problem in jumping head first against gods or dragons who far surpass her, knowing that her skills, her gigantic ego and her absolute lack of fear will lead her somehow to victory. Even when you’re only reading it, you can almost hear her extremely sexy British accent. And she even has her own cool catchphrase–such as The Thing’s “clobberin’ time” or Namor’s “Imperius Rex.” Elsa’s catchphrase: “NOT BLOODY LIKELY!”

BEST PLOTS

She’s always been relegated to a secondary role in Marvel Universe, but during the new Secret Wars (2015) she shone with her own light while starring the miniseries Marvel Zombies, where she commanded the human forces to fight the Dead. Afterwards, she became the central axis of the amazing crossover Monsters Unleashed (2017).

PRESENT

Elsa is currently starring, alongside with Kid Kaiju, the regular series emerged from the event Monsters Unleashed, where she has to take care and protect a super-powered kid while still facing the forces of evil. A highly recommendable comic and a great story where you can learn more about such an interesting character as Elsa Bloodstone, Marvel’s Buffy Summers, toughest girl in 616 Universe. Will you miss it? Not bloody likely!